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【央视新闻客户端】
7月23日，中国当代艺术家易茗的海外个展《与光同行》在意大利威尼斯举行。光 、色层、时间与痕迹是贯穿此次展览的几条重要线索 。
易茗与威尼斯的第一次相遇 ，是在夜色中 。
从机场出来后 ，他乘船驶向城中。水面泛着细碎的光，那一瞬间 ，他突然产生了一种恍惚感 ，“好像回到了武汉” 。
易茗在长江边长大 。他说，自己对水一直有一种难以言说的感情。后来走过许多国家和城市 ，这种来自成长环境的记忆 ，仍会在某个不经意的时刻重新浮现。威尼斯的水与波光，就这样唤起了他对故乡的记忆 。
不是画光 ，而是在画情绪
“与光同行 ”是此次威尼斯个展由策展方提出的主题 ，易茗很喜欢 。威尼斯与水和光密不可分，而在他的作品中，光影也一直是观众和评论者关注的元素。
但这些“光 ”并非刻意为之 。“我画的时候没这个意思 。”最早是别人告诉他 ，“你的光呈现得很好 ” ，他重新审视自己的作品才发现，那些没有被直接描绘的光 ，其实早已存在于色彩和空间之间。
“其实我不是画光 ，我是用色彩在描绘情绪 。 ”
意大利艺术协会主席克劳迪奥·詹尼尼先生7月23日在威尼斯为易茗先生颁发金奖证书 。摄影师Ivan
在此次展览的介绍中，“Velatura”和“Vestigia ”是理解作品的两个重要词语。前者来自油画中的透明罩染 ，色彩在不断叠加中形成层次；后者则意味着痕迹 ，指向时间和创作过程在画面上留下的印记 。对于观众而言，它们提供了进入此次展览的一条路径：光并不一定以明确的光束出现 ，而是藏在色层 、空间 、明暗和各种痕迹之间 。
这些呈现 ，并不是易茗在创作之初预先设定的。对他而言，绘画往往从某一种真实感受出发 ，意义则是在创作和观看中逐渐显现 。就像初到威尼斯时看到水面的波光 ，让他瞬间想起武汉 。这样的感受并不需要先被赋予某种宏大的意义，“它很美，它就是我一段情绪 ”。
创作本身也保留着这种不确定性。易茗说 ，一幅油画的构思也许很快形成 ，但真正完成往往需要数月 。油彩需要干燥和等待，随着色层不断叠加、画面不断调整 ，最初的想法也可能随之改变 。他并不抗拒这种变化 ，“就像看电影，你不知道结局是什么 ，才有魅力”。
把“乱七八糟”留在画里
对易茗来说 ，情绪进入画面，有时并不是一件经过设计的事 。
他回忆 ，有一次 ，一幅作品画到一半时，一名助手来找他谈事情 。随着谈话进行 ，他越来越烦躁 ，一边听，一边拿着笔不断在画布上划 、戳。起初还很爱惜这幅作品，后来觉得已经被自己“毁了 ” ，索性不再控制 。一个多小时后 ，他把画放到一旁 。第二天早晨重新面对它时，却突然发现 ，那些原本以为是失控留下的痕迹 ，反而准确保留了前一天的情绪。
他没有再将这些痕迹覆盖掉 。后来，也有不少观众喜欢上了这幅作品 。对易茗而言 ，这种并非事先安排的状态 ，恰恰构成了“很真实的情绪表达 ”。
类似的选择也出现在他的其他作品中 。易茗的画面里常常存在较为安静 、开阔的空间，却又穿插着一些看似凌乱的线条 。有人曾建议他 ，如果把这些部分去掉 ，作品会更加“漂亮”。
“那不行。生活就是这样，生活就是乱七八糟的 。 ”
在易茗看来 ，艺术如果只剩下漂亮 ，并不足以成立 。人的生活本来就同时包含秩序和混乱、快乐和烦躁 、克制和自由。画面中那些突然出现的线条和不完全协调的关系，并非一定要被清除的“杂质 ”，有时反而更接近生活本来的状态 。
欧洲的藏家和评论家7月23日在专场看展中 。摄影师Ivan
“艺术最高的境界 ，是表达矛盾。”在易茗看来 ，人的生活本身就在克制与自由之间不断摆动 。他参与大型公共视觉项目时，需要严谨 、秩序和效率；回到个人创作 ，则更愿意让自由、偶然和不可控进入画面 。两种看似相反的状态 ，对他而言恰恰都是生活真实的一部分。
画里没有人，人却能在里面看见自己
易茗的作品很少直接出现具体人物 。相比明确的叙事 ，观众更多面对的是空间 、色彩 、光影 ，以及画面中留下的线条和痕迹 。但人的存在并没有消失，只是换了一种方式进入作品。
“我只画空间 ，所以我希望人在里面找到自己有的东西 。 ”
有人从他的画中感到安静 ，有人看到悠远，也有人体会到烦躁甚至压抑 。易茗并不认为作品存在一个必须被准确找到的标准答案。他提到一幅颜色很深的作品 ，画面大部分被黑色笼罩 ，只留下少量光亮。即使有人因此觉得压抑，甚至直言“不喜欢 ”，他也能够接受 。在他看来 ，只要观众真正感受到某种情绪 ，作品与人之间的联系就已经发生 。
也正因此，他并不要求欧洲观众必须先理解中国书法、东方哲学或他的个人经历 ，才能进入作品。在易茗看来 ，看画就像听鸟鸣、看海浪，不需要先弄明白其中的含义 ，感受往往已经发生 。同一条鱼 ，在厨师眼中是食材，在鱼贩眼中是商品 ，在寺庙里可能意味着慈悲 ，到了海里又只是一条鱼 。位置和经验不同，所“看见”的自然也不同。
对易茗而言 ，艺术并不是要求所有人看到同一个答案 ，而是给观众留下一个能够安放自身经验的位置 。人的真实不一定需要通过具体人物呈现，它可以藏在一块色彩 、一组凌乱的线条 、一片空旷的空间，也可以存在于一道并未被刻意描绘的光里 。
从这个意义上说 ，“看见 ”也逐渐成为理解易茗此次展览的另一条线索：艺术家留下自己的情绪 ，而观众从中看见自己。
“看见 ”之后，是“敬畏”
这种对不同观看和不同感受的接纳 ，也延伸到易茗对人与世界关系的理解 。谈到这些年来思考上的变化 ，他多次提到一个词：“敬畏 ” 。
“我觉得人类最缺的是敬畏心。 ”
在易茗看来，敬畏首先是面对自然 ，意识到人并不能任意支配周围的一切；同时也存在于人与人之间 。随着年龄增长 ，他越来越意识到，每个人都有不同的经历、认知和立场 ，自己的判断并不能替代别人 ，人与人之间也需要知道边界在哪里 。
年轻时，他曾认为很多问题都可以通过沟通解决。如今 ，他反而觉得真正的沟通并不容易。尤其当个人利益介入后 ，人对公平 、原则和他人的理解，都可能发生变化 。因此，他所说的“敬畏” ，更多是一种对自身边界和位置的认识 。知道自己看到的并不是全部 ，也明白一个人今天恰好被看见，并不意味着那些没有得到同样机会的人不够努力。
这种思考也自然延伸到了人工智能 。技术不断提高效率 、改变工作和生活方式时 ，易茗更关心的是 ，人在享受技术进步的同时，能否保持必要的警惕 ，又是否还能看见那些可能因此失去位置的人？
人工智能时代 ，谁可能不再被看见
谈起人工智能，易茗并不是一个技术反对者 。恰恰相反 ，他称自己是“科技迷” ，也明确认为人工智能是一场重要的技术革命。
“人工智能肯定是个好事，是一个大的革命 。 ”但紧接着 ，他又补充：“人类要有警惕性 。 ”在他看来 ，技术的发展值得肯定，但在不断追求效率的同时，也需要警惕一部分人因此逐渐失去原有的位置。
这种担忧并不只来自人工智能 。早在人工智能成为热门话题之前 ，易茗就曾长期思考“慢生活” 。科技让沟通越来越方便 ，却也让人的节奏越来越快。过去约定时间和地点后只能等待，如今即时通讯让人随时可以被找到、被联系 ，看似节省了时间 ，人却可能变得更加忙碌和紧张 。
而人工智能的发展，让这种思考进一步延伸到人的工作和社会位置 。易茗举了会计 、出租车司机和搬运工的例子。如果越来越多普通工作可以由机器完成 ，那些原本依靠一份工作养活家庭的人 ，接下来会去哪里？
“这些原来做搬运的 、做出租的，是不是就有可能不被看见？ ”
“我觉得人最需要的是被看见。 ”
对易茗而言 ，这里的“被看见”并不只是获得关注 ，而是一个人在社会中仍然拥有自己的位置、工作和尊严 。他甚至担心，如果技术发展缺少必要的边界 ，最终可能“剥夺人的思考 、剥夺人的时间 ，甚至剥夺人的出现 ” 。
也正因此，易茗提出了“向下思考 ”这一概念。这里的“向下”，更多是提醒自己去看见那些容易被忽略的人 。在他看来 ，技术不断向前 、效率不断提高的同时 ，也需要看见那些可能受到影响的人，而不能只看技术本身能够走多远 。
光照向谁
《与光同行》谈的是光 ，但在易茗自己的讲述中 ，光从来不是一个预先设计好的宏大象征。他画的是色彩、空间和某一种难以言说的情绪，是第一次抵达威尼斯时夜色中的波光 ，也是武汉记忆里的江水；是画面中令人感到安静的部分 ，也包括那些他坚持不愿删去的凌乱线条 。
随着话题从绘画走向现实，“光 ”也逐渐有了画面之外的含义 。易茗关心的 ，也不只是作品中的光如何被看见 ，还有谁能够被时代看见。
易茗并不认为艺术能够替现实给出答案 。对他而言，艺术家能够做的 ，是感受 、思考 ，并将那些无法完全说清楚的东西留在作品中 。
如今，《与光同行》来到威尼斯，在这座与水和光相伴的城市里 ，与来自不同地方的观众相遇。
于是 ，“与光同行 ”也有了画面之外的意味：光照到了谁，又有谁仍然站在光之外 。(中国日报网）
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